NORDIC DESIGN

Алвар Аалто, самый знаменитый финский архитектор и дизайнер, однажды сказал:

«Форма должна нести в себе содержание, и это содержание должно иметь связь с природой».

Аалто уделял одинаковое внимание форме и функциональности, а его музой была финская природа. В рамках собственного уникального стиля - органического модернизма - Алвар Аалто стремился привнести в дизайн и архитектуру больше человечности.

В 1931 году самое человечное кресло в мире было создано для отдыха пациентов туберкулезного санатория и полностью соответствовало требованиям: в нем приятно сидеть, с него легко вставать. Испробовано на себе. Функционализм Аалто проявляется в полной мере в стульях и креслах.

За всю свою жизнь Алвар Аалто создал невероятное количество удивительных проектов, перечислить их все практически невозможно. Но вот, что интересно, у всех его работ есть одно общее - они так или иначе несут элемент водной стихии, и это не случайно. Аалто пытался точно соответствовать своей фамилии, которая в переводе с финского означает «волна». По велению руки мастера Аалто-волна прошла по XX столетию, перемешав его.

Аалто много работал с деревом — традиционным для финнов материалом. Он изучал свойства дерева и тщательно обдумывал, как вписать его в свои эстетические взгляды. Сегодня мы пользуемся многими идеями и достижениями Аалто, всего после него осталось семь патентов на его новаторские идеи по изготовлению мебели. Например, именно он придумал, как изгибать дерево, и использовал его для создания своей канонической табуретки Stool 60.

Стекло было одним из любимых материалов Аалто: в архитектуре он сочетал его с деревом, а в дизайне мебели использовал для предметов домашней утвари.

Мировую известность Алвар Аалто получил в 1937 году после проекта финского павильона на всемирной выставке в Париже, а позже в 1939-1940 годах и в Нью-Йорке.

Paimio armchair, 1931

Stool 60, 1933

Savoy Vase, 1936

11 февраля родился выдающийся датский архитектор и дизайнер Арне. Его творчество было подчинено стремлению к совершенству, где абсолютно все детали были тщательно продуманы — от фасада здания до каждой дверной ручки. Наряду с Алваром Аалто он считается одним из самых ярких представителей скандинавского дизайна XX века.

По легенде Якобсен проявил себя как радикальный минималист еще в детстве: викторианские цветочные обои на стенах своей комнаты в родительском доме он закрасил белой краской — так они его раздражали.

До поступления в 1924 году в Датскую Королевскую Академию искусств, Якобсен овладел мастерством каменщика, работая подмастерьем. Эта работа определила его дальнейшую любовь к кирпичу - материалу, ставшему доминантой большинства архитектурных работ Якобсена.

Уже будучи студентом Академии Арне получил серебряную медаль за дизайн стула, представленный на выставке Exposition Internationale des Arts Decoratits, проходившей в Париже в 1925 году.

Завершенность произведения стала основополагающей составляющей его творческого метода. Работая над проектом дома, он параллельно разрабатывал и дизайн всех его отдельных элементов — мебели, тканей, посуды, осветительных приборов и окружающих ландшафтов.

Любая функциональная вещь, по его мнению, должна иметь свое самостоятельное дизайнерское решение. Показательными примерами здесь становятся наиболее известные архитектурные проекты Арне Якобсена: аэропорт авиакомпании SAS и Radisson SAS Royal Hotel в Копенгагене. В них он спроектировал каждую деталь, вплоть до вилок, ножей и ложек.

Метод Арне Якобсена — это сочетание неординарности творческой мысли, простоты форм, изящности, соответствия функции и назначения. Соразмерность и функциональность во всем, будь то архитектура, или мебель.

В 1952 году Якобсен завершил работу над стулом «Муравей» (или «Модель 3100»), конструкция которого представляет собой фигурное сидение из отформованной фанеры на трех тонких стальных ножках. Впервые спинка и сидение стула были сделаны из одного куска фанеры. Дизайн стула «Муравей» положил начало всемирной известности Арне Якобсена как дизайнера мебели. Было распродано свыше миллиона этих стульев. Это первый предмет мебели промышленного производства, ставший иконой скандинавского дизайна.

The Ant Chair, 1952

Cutlery set, 1957

Swan Chair, 1958

Ханс Вегнер - типичный пример человека, который «сделал себя сам».

Сын сапожника, в 14 лет он поступил в подмастерья к местному плотнику, а на обивку своего первого кресла пустил сшитые матерью гардины. Через пару лет юноша решил открыть собственную мастерскую, но не успел — его забрали в армию. Служить довелось в Копенгагене. Там Ханс побывал на ежегодной мебельной выставке, которую устраивала гильдия краснодеревщиков, и понял, что открывать свое дело рано: нужно еще поучиться.

С середины 1920-х годов в Дании складывался особый национальный стиль в дизайне мебели, позднее названный датским модернизмом. Его представители стремились соединить рационализм Баухауса с народными традициями изготовления деревянной мебели. Вегнер увлекается идеями столичных мебельщиков и поступает в Школу искусств и ремесел (позже переименованную в Датскую королевскую академию изящных искусств и дизайна). В 1938 году он уже сам участвует в выставке краснодеревщиков. А в 1940 проектирует мебель для концертного зала во втором по величине городе Дании — Орхусе. Руководил строительством другой знаменитый датчанин, Арне Якобсен, будущий автор культовых кресел Egg и Swan.

В 1949 году специально для ежегодной выставки гильдии краснодеревщиков Ханс Вегнер разработал Round Chair «Круглое кресло». Эта модель покорила американский рынок: в 1950 году американский журнал USA Interior Magazine называет его самым красивым креслом в мире и помещает на обложку под емким названием The Chair: большая буква в написании обозначала его беспримерную значимость. В 1960 году во время решающих теледебатов Джон Кеннеди и Ричард Никсон сидели именно на этих стульях. Победу Кеннеди по легенде приписывают именно этому стулу, поскольку форма спинки не напрягала его травмированный позвоночник, и он был спокоен и расслаблен. Стул до сих пор можно часто увидеть на встречах глав стран в Копенгагене (так, в 2009 году Round chair был в интерьере, где проходила встреча Барака Обамы и Дмитрия Медведева).

1950-е — золотой век датского модернизма. На миланской Триеннале скандинавские дизайнеры, в том числе Вегнер, забирали первые призы. В 1950-е и 1960-е годы он выпускает множество ярких моделей: кресло-бык, кресло-ракушка, кресло-дельфин. Стул-камердинер Valet Chair он придумал специально для мужчин, постоянно забывающих повесить одежду в шкаф: спинка-вешалка предназначена для пиджака и рубашки, по бокам от сиденья — перекладины для носков. Комфортабельное футуристическое кресло Flag Halyard Chair сделано не из дерева, как обычно, а из металлических трубок, а сиденье — из 240 метров намотанного на раму морского каната. Вегнер спроектировал его, сидя на пляже, когда жена поручила ему присматривать за купающимися детьми. От нечего делать он вырыл удобное «сиденье» в песке, а потом перенес его на бумагу.

Все его творения получались предельно лаконичными, но в то же время очень дружественными человеческому телу, их производство было массовым, но каждая модель требовала кропотливой ручной работы. Лишь в 78 лет он решил отойти от дел, но все равно продолжал контролировать реплики своих ранних моделей, которые то и дело запускали в производство различные компании.

Любая функциональная вещь, по его мнению, должна иметь свое самостоятельное дизайнерское решение. Показательными примерами здесь становятся наиболее известные архитектурные проекты Арне Якобсена: аэропорт авиакомпании SAS и Radisson SAS Royal Hotel в Копенгагене. В них он спроектировал каждую деталь, вплоть до вилок, ножей и ложек.

Оригиналы можно увидеть в Музее Вегнера в его родном городе Тёндер, а также в лучших музеях всего мира и в большом количестве — в домах обычных датчан. Пожалуй, это и есть настоящее признание!

The Round Chair, 1949

Flag Halyard Chair, 1950

Valet Chair, 1953

Известный финский мастер мебельного дизайна.

Изобретатель оригинальных форм Ээро Аарнио отличался ироничным взглядом на дизайн современной мебели. Его технологические эксперименты со стеклопластиком и пластиком неизменно заканчивались феерическим успехом, а сами предметы становились иконами стиля XX века.

Окончив Институт прикладного искусства, Ээро Аарино всего через несколько лет, в 1962 году, создал собственное проектно-дизайнерское бюро. Переполненный креативными идеями, уже через год он вынес на суд публики свою первую знаковую модель — кресло Ball, мгновенно ставшую бестселлером среди коллекционеров. Инновационный материал, экстравагантная форма шара и потрясающее чувство спокойствия внутри сферы — так восторженно отзывалась о шедевре Аарино пресса в репортажах с Кельнской выставки 1966 года. Материал (фибростекло) и форма кресла были совершенным новшеством для мебельной индустрии того времени.

В 1966 году Ball было представлено на мебельной выставке в Кельне. Кресло стало сенсацией выставки, принесло Аарнио мировую известность и дало старт целой серии, созданной Аарнио из фибростекла, оставшимся в последующие годы одним из самых любимых материалов дизайнера. Ball и Bubble снимались в фильмах, появлялись на обложках модных журналов и до сих пор очень популярны.

Про кресло Bubble, дизайнер говорит: «После создания Ball мне захотелось, чтобы в внутрь шара со всех сторон проникал свет». Так и появилась новая модификация Ball, кресло, если его можно так назвать, Bubble, мыльный пузырь. Название полностью оправдано. Даже технология изготовления похожа на выдувание пузырей: акриловая смола заливается в форму, затем нагревается, расширяется и получается Bubble. Создано оно было в 1968 году. Это совершенно прозрачный шар из акриловой смолы, и он висит в воздухе. Арнио посчитал, что любая ножка разрушила бы воздушный образ Bubble. Шар с подушками внутри подвешивается цепью под потолок. Чуть позже появились такие же кресла, только с тонкой ножкой, к которой прикреплялась цепь.

В серию входит и кресло Pastil (1967-1968), за которое он получил в 1968 году приз Американских промышленных дизайнеров. Эти смелые, ломающие традицию объекты мебели отражают дух дизайна 60-х годов.

Ball Chair, 1966

Bubble Chair, 1967

Pastil Chair, 1968

Поул Хеннингсен - датчанин, интеллектуал-провокатор и скандальный журналист, автор легендарных светильников PH и Artichoke, навсегда вошедших в «золотую» коллекцию дизайна XX века.

Хеннингсен изучал архитектуру в Политехническом институте Копенгагена, но диплом так и не получил, что не помешало ему участвовать в архитектурных и интерьерных проектах: он строил функционалистские жилые здания, делал театральные интерьеры, а уже после Второй мировой войны разработал и успешно реализовал план восстановления знаменитого парка Тиволи в центре Копенгагена, взорванного оккупантами.

Поул неустанно ставил эксперименты по созданию светильника, который давал бы мягкий, рассеянный свет без бликов. Он делал многослойные абажуры из концентрических колец-рефлекторов, с разными профилями, отражавшими свет под разными углами и скрывавшими саму лампочку. Снизу он красил их матовой краской, сверху — глянцевой, чтобы мягкий свет равномерно отражался от внешней поверхности.

На парижской выставке декоративных искусств 1925 года, его настольная лампа, выпущенная маркой Louis Poulsen тогда еще под названием Paris, получила золотую медаль. Так родилась серия светильников PH, названная по инициалам самого Хеннингсена. До середины 1950-х он создал около 100 вариаций таких ламп: настольных, напольных, подвесных, с разным количеством концентрических профилей в абажурах, но с общим принципом построения в основе.

Artichoke, пожалуй, самое известное творение Поула Хеннингсена, был спроектирован в 1958 году для копенгагенского ресторана Langelinie Pavillonen, который до сих пор функционирует на знаменитом копенгагенском прибрежном променаде недалеко от Русалочки, и хеннингсоновские светильники по-прежнему украшают его интерьеры. Сначала они, правда, назывались Koglen — по-датски «шишка». Заказчики хотели, чтобы светильники в их заведении давали такой же красивый мягкий свет, как другие модели Хеннингсена, и при этом выглядели бы, как подвешенные к потолку абстрактные скульптуры.

PH 5/3, 1927

PH Snowball, 1957

Artichoke, 1958

Сильвия зарекомендовала себя как опытный дизайнер в 1930-х и 1940-х годах, а в 1931 - 1939 годах была художественным руководителем шведской ювелирной компании CG Hallbergs Guldsmedsaktiebolag Stockholm.

Шведский Дизайнер Сильвия Стэйв создала множество популярных творений во время расцвета её карьеры в 1930-х годах - в основном это были товары для интерьеров.

Ее производство было сосредоточено на минималистических, исключительных объектах общего назначения в авангардном дизайне и привлекло внимание как в Швеции, так и во всех мире, прежде чем она внезапно закончила свою карьеру в конце 1930-х годов. После того, как Сильвия Стэйв была забыта в течение полувека, её творчество вновь стало популярным после того, как итальянская дизайнерская компания Alessi взяла один из её кувшинов в производство.

Уникальный и неповторимый минималистичный, функциональный стиль Сильвии Стейв был и остается чрезвычайно современным и свежим по сей день.

Кувшин, 1933

Коктейльный шейкер, 1954

Коктейльный шейкер, 1955

Свен Ивар родился в 1931 году в Осло. Он является норвежским промышленным дизайнером и дизайнером мебели, который особенно известен своим послевоенным вкладом в норвежское видение скандинавского современного дизайна.

Свен учился за пределами своей родины в лондонском Королевском колледже искусств. Окончив в 1954 году направление промышленного дизайна, Свен Ивар переехал в Скандинавию для своей первоначальной работы: сначала в Копенгагене, в дизайнерской фирме; затем в Осло, где в 1956 году по поручению производителя мебели Hiorth & Østlyngen Свен Ивар произвел линейку стульев «Dining Chair».

Именно норвежские эксперименты с техникой литья пластмасс и так называемый «Sundolitt» (полиуретан) послужили основой для первого "Planet Chair" Свена Ивара, или как его еще называют - "полусферический Глобус". Разработанный осенью 1963 года для Møre Lenestolfabrikk, он был выпущен в 1964 году.

Свен Ивар получил премию Джейкоба в 1989 году. В 2010 году он был назначен рыцарем 1-го ранга Королевского Норвежского ордена Святого Олафа. Его работы представлены во многих почетных музеях мира: Музей Виктории и Альберта в Лондоне, Национальный музей в Стокгольме и Национальный музей в Осло.

Dining Chairs, 1959

Planet Chair, 1963

Практичность Planet Chair

Отучившись в Хельсинкской центральной школе промышленного дизайна, Майя Исола в 1949 году начала работать на компанию Printex, выпускавшую линолеум. С помощью шелковых трафаретов она печатала свои смелые узоры на листах ткани. В 1951 году Printex переименовали в Marimekko, Исола работала там вплоть до 1987 года.

Начав с узоров, срисованных с натуры (в некоторых случаях — даже сфотографированных для реалистичности), и перейдя затем к абстрактным, Майя Исола с ростом уверенности и опыта создавала все более смелые работы. Кроме того, она занималась дизайном тканей с историческими и традиционными мотивами. Некоторые узоры были позаимствованы из византийского искусства, с которым Исола познакомилась, путешествуя по югу Европы.

В 80-х Исола стала работать вместе с дочерью Кристиной, художницей по текстилю. Кристина дала новую жизнь многим известным дизайнам Майи, предложив новые цветовые решения.

Немногие дизайны становятся символом целой эпохи, как Unikko («Мак»), ткань, созданная Майей Исолой в 1964 году для компании Marimekko. Ее простой, стилизованный дизайн типичен для 60-х, но поразительная дерзость узора с огромными, ярко раскрашенными цветами удивила очень многих.

Unikko продавалась в нескольких цветовых гаммах; из нее шили сумки, зонты и постельное белье, а также одежду. Marimekko превратилась в крупного поставщика самых ярких и дерзких современных тканей; узор Майи Исолы до сих пор остается одним из самых любимых дизайнов компании.

Unikko, 1964

Майя Исола в работе, 1963

Использование принта

Датский дизайнер и архитектор. Родился в городе Гамтофт, в Дании. После окончания Королевской датской академии изящных искусств работал в архитектурном бюро Арне Якобсона. Там он начал заниматься дизайном мебели, а после открыл собственную студию в 1955 году.

Вернер Пантон считается революционером в области дизайна мебели. Он экспериментировал с такими материалами, как стекло, пластик, сталь и полипропилен и одним из первых стал рассматривать отдельные элементы интерьера как связанные общим пространством.

Пантон много экспериментировал и утверждал, что мебель не обязательно должна иметь традиционную форму. Его знаменитые проекты стульев — Tivoli, Bachelor и Cone - считались в своё время самыми необычными стульями в мире. Вернер настаивал, что стулья должны быть не только удобны, но и интересны.

Самый знаменитый стул дизайнера — Panton Chair был сделан из единого куска формованного пластика.

Стиль Пантона стал прототипом психоделического дизайна 1970-х годов и производили впечатление скульптур, а не мебели. В своих работах Пантон использовал яркие, ясные цвета.

В 1980-х он стал активно работать с геометрическими формами, черпая вдохновение в возможностях новых материалов. Не имея чёткой структуры, пластик мог принимать любые формы и цвета, что было невозможно при использовании классических материалов как стекло, дерево и металл.

Мечтой Пантона было полное слияние функций различной мебели. Мысль о том, что, глядя на вещь, можно с первого раза определить её функцию, лишала его воображения и желания творить. Кроме того, он мечтал нарушить традиционное деление на пол, стены и потолок, сместив их функции. Его легендарные наброски можно расценивать как зенит его карьеры.

В отличие от других датских дизайнеров у него был революционный, а не эволюционный взгляд на вещи и за свою жизнь он создал множество инновационных, рискованных и игривых вещей. Для их создания требовались самые современные технологии, что отображало его жизненный оптимизм.

Panton Chair, 1956

Heart Cone Chair, 1958

Amoebe Chair, 1970

Стиг Линдберг - один из наиболее популярных шведских дизайнеров. Его карьера началась в 1937 году и работал Линдберг вплоть до самой смерти. Образование получил в государственной школе шведского искусства, ремесел и дизайна в Стокгольме. Он создал огромное количество работ. Линдберг начал с причудливой керамики и изящной посуды. Затем была долгая карьера креативного директора на гончарном заводе Gustavsberg.

В 50-60-е годы Линдберг занял лидирующее место в стране среди дизайнеров предметов для дома. Создаваемые им вещи были доступны практически всем жителям стабильной в послевоенные годы Швеции. Популярность работ Линдберга и по сей день крайне высока.

Пик его творчества пришелся на «золотой век» шведского промышленного искусства, промышленного дизайна. Наибольшую известность художнику принесла серия разработанных им предметов из керамики для сервировки стола - Bersa, Spisa Ribb и Terma.

Во многих работах, которые он создал, сотрудничая с Gustavsberg, прослеживается геометрия стиля Ар-Деко. В послевоенные годы созданные Линдбергом предметы стали считать яркими образцами скандинавского модернизма.

Керамика, 1950

Линейка посуды "Terma", 1955

Линейка посуды "Bersa", 1960

Кая Франка считают совестью финского дизайна. Он считал, что для жизни по этическим принципам необходимо довольствоваться меньшим и стремиться к простоте. Для своего времени это была новаторская идея, уходящая корнями в традиционный уклад жизни.

За четыре десятилетия (с 1940-е по 1980-е годы), Франк делал эскизы для керамики компании Arabia и стекла для Iittala и Nuutajarvi, создавая прекрасные предметы повседневного обихода, которые выдерживают проверку временем.

Дизайнер работал с керамикой, стеклом, текстилем, проектировал мебель. Его стиль отличается строгой геометричностью, лаконизмом и продуманными цветовыми решениями. Франк был одним из первых представителей дизайнерского цеха, ратовавших за утилизацию отходов и минимизацию потребления.

Принимая принципы функционализма, Кай Франк использует в своих проектах простые формы: квадрат, круг, прямоугольник. Они позволяют создать большое количество комбинаций, что является основой функционального использования каких-либо предметов. По словам дизайнера, только цвет может являться единственным необходимым элементом украшения.

Наиболее известные работы дизайнера - серия предметов посуды Kilta из глазурованного фаянса для бренда Arabia, которая позднее была перевыпущена под названием Teema, и серия стекла Kartio для Iittala (1958). Обе линии выпускаются до сих пор. В Финляндии ежегодно присуждается премия имени Кая Франка (Kaj Franck Design Prize), которой отмечается дизайнер, работающий в традициях прославленного мастера.

Работа по стеклу, 1946

Посуда из стекла, 1948

Линейка посуды "Kilta", 1952

Тони Вигеланд - норвежская дизайнер и ювелир.

Скандинавская ювелирная индустрия немыслима без нее и ее творчества. Уже в начале 1960-х годов украшения Тони Вигеланд выставлялись на Международной выставке современных ювелирных изделий.

Элементы украшений Тони Вигеланд как правило, очень плотно прилегают друг к другу, несмотря на то, что они сделаны из металла. Она мастерски играет со светом, используя в работе блестящее серебро.

Родилась Тони в 1938 году в одной из самых знаменитых семей художников Норвегии. В 1957 году она переехала в Осло, чтобы стать ювелиром. В 1961 году ей это удалось, и с тех пор она произвела несколько всемирно известных предметов, получила несколько наград.

Работы Тони Вигеланд представлены в коллекциях известнейших музеев мира: Музей искусств и дизайна - Нью-Йорк, США; Музей декоративных искусств - Париж, Франция; Музей изящных искусств - Монреаль, Канада; Национальный музей - Стокгольм, Швеция; Национальный музей - Токио, Япония; Музей дизайна - Мюнхен, Германия и многие другие.

Кольцо, 1970

Браслет, 1985

Кольцо, 2000

Знаковые дизайнеры